Dic 302016
 

“La gente può anche dire che non so cantare, ma nessuno potrà mai dire che non ho cantato.”
Florence Foster Jenkins

Mi capitò di sentire cantare Florence Foster Jenkins durante una pausa dalle prove in orchestra: uno dei colleghi, aprendo YouTube, ci esortava all’ascolto della versione dell’aria “Regina della notte” di Mozart interpretata da lei. Molti la conoscevano già e si guardavano ammiccando e sghignazzando. Io non l’avevo mai sentita nominare e non ero molto entusiasta all’idea. Sono sempre stata abbastanza categorica e un filo sentenziosa nei riguardi di chi si affaccia al mondo della musica classica e s’intrufola senza avere i mezzi tecnici e il talento per poter intraprendere il mestiere, ciononostante era uno di quei momenti di ilarità generale in cui si aveva voglia di ridere e di stemperare le tensioni lavorative, perciò mi unii all’ascolto.
Non penso di aver mai riso così tanto. La maggior parte degli interventi erano calanti di quasi un tono e totalmente privi di uno scheletro ritmico (non mi metto a parlare di fraseggio che mi pare azzardato, in totale mancanza di tutto il resto!).

Eppure quella donna trasmetteva qualcosa al di là della sua più totale incapacità, il problema è che non riuscivo a spiegarmi che cosa fosse.

Di seguito una biografia di Florence Foster Jenkins:
Nata a Wilkes-Barre in Pennsylvania da Charles Dorrance Foster e da Mary Jane Hoagland, Florence prese lezioni di musica da bambina, ed espresse il desiderio di andare all’estero a studiare musica. Suo padre si rifiutò di pagarle gli studi, così lei fuggì a Fildadelfia con Frank Thornton Jenkins, un dottore che divenne suo marito (i due divorziarono nel 1902). In questa città si guadagnò da vivere come insegnante e pianista. Florence contrasse dal marito la sifilide che alcuni anni dopo le provocò danni irreparabili alle articolazioni. Per tale ragione dovette abbandonare la carriera di pianista. Alla morte del padre, nel 1909, la Jenkins ereditò una ingente somma di denaro che le permise di intraprendere la carriera di cantante che era stata scoraggiata dai suoi genitori e dall’ex marito. Divenne coinvolta nella scena musicale di Filadelfia, fondando e sovvenzionando il Verdi Club, prese lezioni di canto e iniziò a esibirsi in qualche recital, il primo nel 1912.
Dalle registrazioni appare chiaro che la Jenkins aveva poco senso dell’intonazione e del ritmo ed era a malapena in grado di sostenere una nota. È possibile ascoltare i suoi accompagnatori fare aggiustamenti per compensare le sue variazioni di tempo e i suoi errori ritmici. Ciononostante divenne notevolmente famosa in modo non convenzionale. Apparentemente il suo pubblico la amava per il divertimento che forniva, più che per le sue doti canore. I critici spesso descrivevano il suo lavoro in modo ambiguo, il che potrebbe essere servito a stuzzicare la curiosità del pubblico. Nonostante la sua palese mancanza di abilità, la Jenkins era fermamente convinta della sua grandezza. Si paragonava positivamente con noti soprani quali Frieda Hempel e Luisa Tetrazzini e liquidava le risa che spesso si levavano dal pubblico durante le sue esibizioni, come “gelosia professionale” delle sue rivali. Era comunque conscia delle critiche e diceva “La gente può anche dire che non so cantare, ma nessuno potrà mai dire che non ho cantato.”
La musica che la Jenkins affrontava nei suoi recital era un misto di repertorio operistico standard di autori come Mozart, Verdi e Strauss (tutti ben oltre le sue possibilità tecniche), lieder, compresi pezzi di Brahms e i “Clavelitos” di Joaquin Valverde, uno dei suoi bis preferiti), e canzoni composte da lei stessa o dal suo accompagnatore, Cosmé McMoon . La Jenkins indossava spesso costumi elaborati che si disegnava da sola, apparendo talvolta con ali e “paillettes” e, per i “Clavelitos”, gettando fiori al pubblico mentre agitava un ventaglio e esibiva altri fiori tra i capelli.
Nonostante le richieste per un maggior numero di spettacoli, la Jenkins limitò le sue rare performance ad un ristretto numero di luoghi graditi e al suo recital annuale nella sala da ballo del Ritz-Carlton di New York. La partecipazione ai suoi recital era sempre limitata alle sue leali compagne del club e a pochi altri ospiti selezionati – si occupava personalmente della distribuzione degli ambiti biglietti. All’età di 76 anni la Jenkins cedette infine alle richieste del pubblico e si esibì alla Carnegie Hall il 25 ottobre 1944. Il concerto era così atteso che i biglietti vennero esauriti con settimane di anticipo. Florence Foster Jenkins morì un mese dopo questo evento.
Alcuni hanno sostenuto che tutta la più che trentennale carriera della Jenkins fosse in realtà un elaborato scherzo giocato al pubblico ma ciò sembra contraddire un’altra pretesa, secondo cui la sua morte dopo l’esibizione alla Carnegie Hall fosse il risultato della derisione da parte dei suoi critici. Comunque esistono poche prove a sostegno di entrambe le asserzioni. Tutto indica che Florence Foster Jenkins morì con lo stesso felice e fiducioso senso di appagamento che pervase la sua intera vita artistica.
Registrazioni della Jenkins sono state pubblicate su due CD, The Glory of the Human Voice (RCA Victor) e Murder on the High Cs (Naxos Rekords). Nel 2001 è andata in scena all’Edimburgh Festival Fringe una commedia di Chris Ballance sulla Jenkins, e nel novembre 2005 ha debuttato a Broadway la commedia sulla sua vita, dal titolo Souvenir con Judi Kaye nel ruolo della Jenkins.

Al cinema ho da poco visto il film ispirato alla vita della Jenkins, “Florence” grazie al quale ho finalmente trovato la risposta al mio quesito.
Non è stato tanto perché il regista Stephen Frears si è attenuto quasi fedelmente alla realtà dei fatti, nemmeno per la sceneggiatura e per i costumi scelti alla perfezione (alcuni sembravano gli originali?), quanto per la maestria degli attori Hugh Grant e soprattutto Meryl Streep.

Quando un attore riesce a calarsi in una parte tanto da sembrarti fuso in un tutt’uno con il personaggio originale, non distingui più il confine del racconto con quello della realtà. La sensazione che provo in questi momenti è la stessa di quando un libro avvincente riesce a rapirmi e a portarmi letteralmente in un altro mondo.
Io quella sera sono stata catapultata direttamente in un’America attorno al 1940 e come spettatore ho partecipato attivamente alle vicissitudini del personaggio.
Meryl Streep, oltre ad essersi magistralmente cimentata nel canto, imitando alla perfezione l’imperfezione, ha saputo mettere un pezzo di se stessa in Florence, rendendola vera, genuina vivendo e facendo vivere emozioni a 360 gradi: in un’ora e mezzo sono passata dal ridere a crepapelle a commuovermi fino alle lacrime.

E uscendo dal cinema, la sensazione era come se io avessi davvero conosciuto Florence Foster Jenkins. La sua grandezza, il suo non so che al di là delle sue incapacità, stava proprio nel fatto che lei, con la sua passione sfrenata per la musica, non aveva avuto paura di mostrarsi nella sua autenticità e la cosa più importante è che lei ci credeva davvero.

 

Set 172016
 

immagine-trascrizioneA. “Che bella questa musica, di che cosa si tratta?”

B. “Si tratta di una trascrizione..”

Spesso la reazione alla parola “trascrizione” sorge spontanea nelle persone avvezze alla musica originale ed “immacolata” e di solito corrisponde ad un misto di fastidio e imbarazzo accompagnati da un immancabile storcere del naso. In fondo ogni strumento ha il proprio repertorio originale e ben pensato per le sue peculiarità. Perché dunque addentrarsi nella musica considerata maldestramente di serie B?
Essendo caduta spesso anch’io in questo tipo di considerazioni superficiali, ho voluto tracciare un percorso soffermandomi su alcuni dei compositori ritenuti importanti per questa pratica al fine di trovare per me, ma per chiunque sia interessato a non chiudersi, una o più ragioni per non sottovalutare l’importanza della trascrizione a tutto tondo.

Per trascrizione si intende la destinazione, l’adattamento di una composizione ad un organico differente da quello per il quale essa era stata concepita originariamente.
Le motivazioni che spingevano i compositori ad avvalersi di questo tipo di pratica corrispondevano a più esigenze, da quelle scolastico-didattiche, per finalità divulgative, pratiche e anche commerciali. Vi erano poi casi in cui l’autore si affidava alla trascrizione per arricchire e perfezionare i propri mezzi espressivi. Spesso succedeva che, quegli strumenti poveri di letteratura autonoma (ad esempio la viola, l’arpa o il trombone) si impadronissero di musica originariamente concepita per altri strumenti, al fine di ampliare il loro repertorio. E’ importante ricordare che il XIX secolo coincideva con il periodo del predominio della borghesia, il cui locus amoenus era il salotto borghese, e le trascrizioni per organici differenti erano spesso sfruttate per cercare di conoscere sempre musica nuova, in tempi brevi e nell’intimità delle case.

La storia della trascrizione si svolge parallelamente a quella della musica strumentale. Alcuni studiosi vogliono farla coincidere con le manifestazioni di musica medievale; in realtà qui si parla di “utilizzazioni” differenti di un brano musicale nell’ambito di un unico regime fonico, ossia la voce umana. Vi erano dei casi denominati “Travestimenti” (la melodia veniva trasferita da un testo profano ad uno sacro e viceversa), la composizione rimaneva comunque sempre destinata al canto. La trascrizione si verificava invece quando una o più parti di una composizione polifonica vocale venivano suonate anziché cantate.
Tale pratica si afferma nel rinascimento secondo due direttrici fondamentali: la riduzione di una composizione polifonica vocale per strumento a pizzico o a tastiera detta intavolatura, e quella che mantiene al canto la voce superiore, raggrupando le altre nell’accompagnamento strumentale.
Nel ‘600 le trascrizioni di Geminiani per strumenti a tastiera in genere, anche di pezzi suoi, rispondevano prevalentemente ad esigenze di tipo pratico. Nello stesso periodo, in Germania operava un fervente ammiratore della musica italiana, J. G. Walther che trascrisse diversi concerti dei nostri antichi maestri (Albinoni, Torelli, Gentili, Taglietti, ecc.).


J. G. Walther: Concerto del signore Tomaso Albinoni in F – DUR [Helmut Kickton, Organo]

Lo stesso Walther fu d’ispirazione a J. S Bach, (avevano operato insieme alla corte di Weimar) che prese i concerti di A. Vivaldi come modelli per le sue trascrizioni al clavicembalo e all’organo. Si cita come esempio particolarmente riuscito, il concerto n. 2 dell’Op. VII (II libro) e, soprattutto, il movimento lento centrale che supera l’originale in quanto Bach ha inserito, fra le due parti preesistenti, una terza linea che riempie a livello contrappuntistico la base vivaldiana.
Bach, salvo rare eccezioni, rinvigorisce certe ossature con nuovi contrappunti, arricchisce l’ornamentazione, sottolinea con maggior rilievo alcuni svolgimenti armonici e spesso arriva a conferire alla musica un altro carattere espressivo.
Dopo J. S. Bach, molti compositori si cimentarono con l’arte trascrizione tra i quali W. A. Mozart, Schubert, Mendelssohn e Schumann.
Anche Beethoven si cimentò qualche volta nella trascrizione per complessi strumentali, con riduzioni o adattamenti di musiche proprie.
A Schumann si deve la trascriione pianistica di ben metà dei 24 capricci per violino di Paganini, 6 raccolti nell’op. 3 e gli altri nell’op. 10. Il primo gruppo ha un indirizzo prevalentemente didattico -“io copiai l’originale, forse a suo danno, quasi nota per nota, sviluppando solo la composizione armonica”- mentre il secondo è destinato all’esecuzione pubblica. “Mi liberai dunque dalla pedanteria di una traduzione letteralmente fedele e volli che la presente rielaborazione desse l’impressione d’una composizione per pianoforte affatto indipendente, sì da far dimenticare l’origine violinistica, senza che però l’opera ne avesse a scapitare in idee poetiche” (R. Schumann, la musica romantica, Torino, 1950).


R. Schumann: Etudes after Paganini Caprices op. 3 – Stefano Ligoratti, Piano

In contrapposizione con l’intento di Schumann, vale a dire mettere in rilievo il lato poetico della composizione, abbiamo quello di Liszt che amava accentuare il lato virtuosistico; anch’egli lavorò sui capricci di Paganini con la composizione di Studi. Lo Studio musicalmente più interessante pare essere il “Tema con Variazioni” (Capriccio 24) che fu poi sfruttato anche da Brahms e Rachmaninov.
Non mancano casi in cui il compositore sceglie di adattare ed estendere a più strumenti contemporaneamente lo stesso brano. Un esempio interessante lo troviamo in Grieg che aveva l’abitudine di comporre i suoi pezzi per pianoforte e poi riscriverli per orchestra. E’ dalla sua sonata per violino n. 3 op. 45 che trascrive l’allegretto del secondo movimento per violoncello e pianoforte.


Grieg – Allegretto for Cello and Piano. [Matilda Colliard, Cello – Stefano Ligoratti, piano]

Nel campo della trascrizione per pianoforte, chi lasciò un segno decisamente importante fu F. Busoni; fu infatti il primo a porsi il problema di creare una scrittura pianistica adatta alla trascrizione della musica per organo. Si servì così di raddoppi, ingegnose disposizioni di accordi, aggiunte, omissioni e libertà nei riguardi del testo originale. I lavori busoniani raggiungono il più alto grado dell’arte della trascrizione in quanto nati da un pianismo “organistico” assolutamente inedito.


Bach-Busoni Toccata e Fuga in re minore. [Stefano Ligoratti, Piano]

Spetta a O. Respighi il merito d’aver divulgato e avvicinato, attrverso le sue trascrizioni, antiche musiche alla sensibilità novecentesca. E’ considerato il pioniere del rinnovamento della musica italiana; portando su un piano più divulgativo le grandi composizioni passate, le ha rievocate cercando di darne un’interpretazione che più si avvicinasse al gusto moderno. Un esempio lo troviamo nella “Trascrizione Libera per pianoforte” delle Antiche danze e arie per liuto (Sec. XVI e XVII).
Anche Ravel, come abbiamo detto di Grieg, trascrisse sucessivamente per orchestra molte delle sue opere per pianoforte. Verrebbe da pensare che i pezzi originali fungessero da “modello” per poi ottenere il vero e proprio risultato attraverso l’orchestra. In realtà si tratta di autentiche e definitive creazioni che, offrendo un’ampia gamma di effetti coloristici, gradazioni di tocco e via dicendo, si prestavano spontaneamente alla versione orchestrale.
Occorre ora citare I. Stravinskij, il quale ha apportato un grande contributo nel campo della trascrizione. I princìpi con i quali il compositore trascriveva non si discostavano di molto da quelli di Busoni, infatti si concedeva la libertà di modificare la parte del pianoforte, ingrandendola e intensificandone la violenza sonora. Con il balletto Pulcinella Stravinskij inizia ad attingere a materiale del passato (in questo caso alle musiche attribuite forse a Giambattista Pergolesi). E’ curioso ricordare che Sergej Diaghilev, che gli aveva commissionato il balletto, gli aveva imposto di “comportarsi al modo di Respighi” per la stesura della partitura. Il balletto ebbe molto successo e fu così che Stravinskij compose diverse trascrizioni: una Suite orchestrale, una Suite per violino e pianoforte (Suite Italienne) ed infine una versione per violoncello e pianoforte.


I. Stravinskij – Suite Italienne for cello and piano [Matilda Colliard, Cello – Stefano Ligoratti, Piano]

Le manifestazioni di trascrizione continuano per tutto il novecento con Schoenberg, Berg, Webern, Bartòk, Prokof’ev e tanti altri.

Mi viene da fare una considerazione a proposito dell’apertura verso le trascrizioni. E’ attraverso la riscoperta di queste perle che si aiuta la divulgazione della grande musica a 360 gradi. Chi aderisce a questa divulgazione, oltre a nutrire la propria conoscenza così come quella dello spettatore, ha il potere di far rivivere composizioni che altrimenti rimarrebbero nell’ignoto.

Matilda Colliard

Gen 302016
 

Fuori piove e, in uno di quei sabato mattina in cui non sei abbastanza sveglio per fare qualcosa né di serio né di davvero divertente, ho deciso di fare una sorta di ricerca su Instagram, il più celebre dei social network specificamente legato alle foto, per cercare di capire qualcosa di più sul rapporto fra musica classica e nuove generazioni. È noto che gli utenti di Instagram sono ben più giovani di quelli di un social come Facebook; tendono inoltre a venire a contatto con la realtà in maniera più sintetica e immediata (attraverso un’immagine) che in maniera analitica (attraverso un post scritto, più o meno lungo); rappresentano il trionfo dell’homo videns, che privilegia la vista su tutti gli altri sensi. Tutto ciò sembrerebbe portare il più lontano possibile da una musica, come quella detta “classica”, che parrebbe richiedere ascolto, concentrazione, capacità di astrazione. E invece, senz’altro per quel magnetismo che la bellezza musicale esercita al di là di qualsiasi moda, le immagini che tirano in ballo Mozart, Beethoven o Stravinsky sono ben più di quante mi sarei aspettato. Non solo: poiché Instagram offre la possibilità di inserire video di 15 secondi, molti musicisti hanno anche iniziato a postare frammenti di esecuzioni o prove. Il purista vedrà ovviamente in una tale frammentazione qualcosa di assolutamente satanico: ma non possiamo tornare indietro all’era in cui si pretendeva di ascoltare fin da subito un’intera Sinfonia di Mahler o di Bruckner per una sorta di dovere morale. Sarebbe giusto, ma ad oggi è impossibile. La polverizzazione della fruizione odierna dell’arte non sempre, d’altronde, è un abominio: spesso, bastano pochi secondi per far scattare un colpo di fulmine, che darà poi magari luogo a un approfondimento. Allora, può anche darsi che social apparentemente superficiali come Instagram, fruiti più volte al giorno da un ventenne di oggi, possano far nascere passioni tutt’altro che superficiali.

Nella mia breve e un po’ improvvisata indagine, ho cercato comunque di attenermi a una qualche scientificità, applicando il metodo statistico, basandomi sul numero di hashtag (#). Innanzitutto, mi sono accorto che l’hashtag #classicalmusic è molto più utilizzato di quanto pensassi:

rockmusic: 421071  – popmusic: 387450 – classicalmusic:210474 –  jazzmusic: 76316 – discomusic: 19664

La musica classica è nominata circa la metà delle volte del rock e più del doppio delle volte del jazz. Non si vuole certo qui istituire una graduatoria fra generi (ammesso che l’espressione “genere musicale” abbia oggi un qualche senso), ma solo evidenziare che la musica di Mozart e Debussy non è certo una nicchia per dinosauri. E dirò di più: oggi lo è forse meno di quanto lo fosse qualche anno fa, anche grazie a tecnologie che permettono ai più giovani di ascoltare di tutto senza dover pagare un costosissimo biglietto o comprare a scatola chiusa un cd a 20 euro. Se l’interesse sboccia, l’approfondimento ci sarà poi: magari anche iniziando a suonare uno strumento e divenendo quindi soggetti attivi -senza necessariamente dover fare il musicista di professione.

Ho proseguito l’indagine cercando di capire quale fosse il peso degli utenti italiani. Con una certa sorpresa, ho scoperto che l’hashtag #musicaclassica è quasi cinque volte più utilizzato del francese #musiqueclassique e quasi il doppio dello spagnolo #musicaclasica. Il tedesco klassischemusik? Quasi non pervenuto.

musicaclassica: 15390 – musicaclasica: 8886 – musiqueclassique: 3872 – klassischemusik: 1547

Ora, o gli italiani sono dei cazzari nullafacenti che passano le loro giornate sui social (il che è in parte vero), mentre francesi o tedeschi si occupano di cose serie, oppure la musica classica in Italia ha un pubblico potenziale di giovani più ampio di quanto non si pensi. E poi, anche se il dato fosse uno specchio del nostro oziare? Staremmo pur sempre oziando con Bach, Verdi o Shostakovich, il che non mi sembra affatto una trista prospettiva.

Giunto a questo punto, mi è venuta l’insana idea di vedere quali compositori fossero più citati. Qui però è insorto un problema non da poco: inserendo solo il cognome del compositore, venivano fuori cose che ben poco hanno a che vedere (almeno direttamente) con la musica. Così, #beethoven rimandava al cane del famoso film, #mozart al cioccolato (le famose ‘palle di Mozart’ salisburghesi), #verdi all’ecologismo, mentre nomi come #berlioz o #chopin sembravano essere associati, più che alla Sinfonica fantastica o ai Notturni, a un’infinità di gatti (sulla base dei nomi di mici di film come “Gli aristogatti”): 

 

Nella marea di citazioni presenti su Instagram, non è poi infrequente trovare massime (più o meno sagge) di musicisti. Divertente questa di Erik Satie: “Coloro che blaterano alle mie spalle, / il mio culo li contempla”

                                                                 

Nonostante possa apparire irriverente, anche la parodia (che riguarda perlopiù Johann Sebastian Bach, forse per l’aura di protestantesimo e di serietà che lo avvolge agli occhi dei più) può diventare un modo per ricordarci che questi grandi compositori sono ancora fra noi, più vivi di certi vivi:

E così, ci viene anche ricordato che Mendelssohn “likava” (e, perché no, lovvava) Bach ben prima che fosse di moda.

Ma torniamo ai compositori più citati. Poiché, come dicevo, con Berlioz vengono fuori gattini e con Mozart le mozartkugeln (l’indice glicemico è più o meno paritetico), ho iniziato mettendo nell’hashtag anche il nome del compositore. Ecco i risultati, dal più popolare in giù:

  1. GiuseppeVerdi: 11982
  2. Ludwig van Beethoven: 10718
  3. PhilipGlass: 10561
  4. WolfgangAmadeusMozart: 5966
  5. JohannSebastianBach: 5485
  6. ErikSatie: 4750
  7. FrédéricChopin: 4689
  8. RichardWagner: 4666
  9. ClaudeDebussy: 4341
  10. GiacomoPuccini: 4034
  11. FranzLiszt: 3679
  12. Steve Reich: 3520
  13. JohannStrauss: 3258
  14. LeonardBernstein: 3077
  15. GeorgeGershwin: 2951
  16. EdvardGrieg: 2587
  17. BenjaminBritten: 2492
  18. AntonioVivaldi: 2467
  19. GustavMahler: 2370
  20. RichardStrauss: 2366
  21. JeanSibelius: 2218
  22. FranzSchubert: 2018
  23. IgorStravinsky: 1890
  24. JohannesBrahms: 1560
  25. MauriceRavel: 1523
  26. GeorgesBizet: 1218
  27. RobertSchumann: 1131
  28. VincenzoBellini: 1118
  29. CarlNielsen: 1098
  30. PierreBoulez: 1012
  31. BelaBartok: 1005
  32. GabrielFauré(+Faure)= 838
  33. GaetanoDonizetti: 737
  34. FelixMendelssohn(+Bartholdy): 671
  35. EdwardElgar: 628
  36. AlbanBerg: 612
  37. DmitriShostakovich: 606
  38. HectorBerlioz: 605
  39. SergeiRachmaninov(+Rachmaninoff): 580
  40. GioacchinoRossini: 561
  41. IsaacAlbeniz: 538
  42. SergeiProkofiev: 522
  43. MaxBruch: 372
  44. AntonBruckner: 344
  45. FrancisPoulenc: 280
  46. BenedettoMarcello: 217
  47. GyorgyLigeti: 211
  48. HugoWolf: 203
  49. LuigiNono: 179
  50. LucianoBerio: 170
  51. ClaudioMonteverdi: 168
  52. FranzJosephHaydn: 143
  53. MaxReger: 126
  54. TomasoAlbinoni: 118
  55. AntonWebern: 100
  56. Jean-PhilippeRameau: 89
  57. ElliottCarter: 86
  58. FrançoisCouperin: 78
  59. CarlPhilippEmanuelBach: 66
  60. LuigiCherubini: 61
  61. FerruccioBusoni: 49
  62. GeorgFriedrichHaendel: 29
  63. HenriDuparc: 22
  64. LuigiDallapiccola: 7

Le classifiche sono sempre stupide, ma questo non è certo un sondaggio qualitativo. Nella sua superficialità, ci dice semplicemente quali sono i compositori che più richiamano l’attenzione delle ultime generazioni. Sorprende la leadership di Verdi, così come il fatto di trovare Britten davanti a Vivaldi o Stravinsky davanti a Brahms. Il Novecento, in generale, è piuttosto presente, ma anche un nome come Boulez (forse anche per la recente morte) si piazza davanti a un Donizetti. Compositori come Berio, Rameau, Couperin, Carter, Dallapiccola, Duparc, Busoni o Dallapiccola, ma anche Haydn, sembrano riservati a una minoranza, mentre spopolano quei nomi spesso legati a una colonna sonora, a jingle pubblicitarii, a riferimenti dell’immaginario collettivo o a primati nazionali (come Nielsen, gloria danese): Satie, Chopin, Liszt (ben 11256 volte ricorre #lisztomania, il film di Ken Russell), Grieg e via dicendo. Ci sono poi casi di compositori il cui nome è troppo complicato da scoprire: come Georg Friedrich, nel caso di Haendel. Le sorprese sono moltissime e ognuno le leggerà a modo suo. Non mi sarei mai aspettato #Bartok davanti a Shostakovich o Sibelius davanti a Schubert, oppure Prokofiev dietro ad Albeniz. Certo, i numeri non sono paragonabili a quelli delle star del pop: a fronte dei quasi 12000 hashtag di GiuseppeVerdi, troviamo JustinBieber con più di 22 milioni di tag, Lana Del Rey con quasi 3 milioni e mezzo, i Beatles con più di un milione e i Rolling Stones con più di mezzo milione. Ma poco importa.

Per completezza, ecco anche la Top Ten che risulta inserendo solo il nome, ad esempio #bach (che significa anche ruscello, in tedesco) #mozart (sempre tenendo conto delle famose palle), #beethoven (cane compreso) o #verdi (politici compresi). Il risultato è un po’ diverso. Mozart passa ad esempio dal bronzo all’oro, forse perché viene semplicemente meno la scocciatura di scrivere WolfgangAmadeus (assai più complicato di Giuseppe):

  1. Mozart: 304424
  2. Beethoven: 221118
  3. Bach: 20879
  4. Verdi: 151195
  5. Chopin: 129314
  6. Wagner: 70423
  7. Vivaldi: 54956
  8. Puccini: 36707
  9. Rossini:32201
  10. Ravel: 30780
  11. Brahms: 27.370
  12. Debussy: 26802
  13. Handel (senza dieresi): 25690
  14. Schubert: 25668
  15. Berlioz: 19426
  16. etc

La classifica lascia certo il tempo che trova: pensiamo solo al fatto che #antonindvorak (con nome e cognome) arriva a 779 soltanto, mentre il semplice #dvorak ne conta 13214. Ma anche Haydn, senza il complicato FranzJoseph, tocca quota 15527. Comunque, troviamo anche nomi insospettabili, ad esempio Alkan, con ben 7007 tag (più di Albinoni, Bruckner o Elgar).

E veniamo infine agli interpreti. Qui ci si accorge, osservando ad esempio i pianisti e i violinisti, che c’è una leadership incontrastata, quasi un monopolio di un singolo nome. Dietro, il vuoto o quasi. Fra i pianisti domina Lang Lang, con 13493 hashtag, fra i violinisti David Garrett, con 26.170. Ho preso solo alcuni esempi:

  1. Lang Lang: 13493
  2. Yuja Wang: 1767
  3. Daniel Barenboim: 1574
  4. Valentina Lisitsa: 1448
  5. Yundi Li: 825
  6. Katia Buniatishvili: 475
  7. Andras Schiff: 347
  8. Krystian Zimerman: 308
  9. Ramin Bahrami: 261
  10. Grigory Sokolov: 251
  11. Mikahil Pletnev: 125
  12. Radu Lupu: 123
  13. Volodos: 87

Violinisti:

  1. David Garrett: 26170
  2. Ithzak Perlman: 2921
  3. Vanessa Mae: 2212
  4. Hilary Hahn: 1669
  5. Charlie Siem: 1003
  6. Ray Chen: 831
  7. Janine Jansen: 827
  8. Nigel Kennedy: 742

Infine, qualche dato su alcuni direttori: quotato Riccardo Muti, forse per i suoi successi in America, dove Instagram è molto diffuso:

  1. Riccardo Muti: 1197
  2. Simon Rattle: 965
  3. Valery Gergiev: 824
  4. Mariss Jansons: 534
  5. Riccardo Chailly: 372
  6. Daniel Harding: 348
  7. Ivan Fischer: 187
  8. Bernard Haitink: 138
  9. Yuri Temirkanov: 115
  10. Kirill Petrenko: 93

Questi sono solo alcuni esempi. La presenza nelle retrovie dei musicisti forse più raffinati, come Lupu o Temirkanov, è anche indice del fatto che i cultori di questi artisti tendono a snobbare tutto ciò che è immagine, marketing o “visibilità”. E, ovviamente, proprio sul culto dell’immagine è basato instagram. 

Non bisogna tuttavia stigmatizzare un nuovo atteggiamento di avvicinarsi alla classica, a volte apparentemente superficiale ma non sempre avulso da un vero affetto o, molto spesso, da un vero e proprio stato di esaltazione. Concludo con alcune foto che parlano da sé: c’è chi trova sexy suonare il pianoforte, chi per rilassarsi nella vasca da bagno ascolta Schubert (“I’m in heaven, with my favorite composer“), chi ricorda David Bowie violoncellista sul set del film “Miriam si sveglia a Mezzanotte” (ancora una volta, sul leggio abbiamo Schubert), chi inventa una collezione di teeshirts ispirate ai compositori, chi celebra Verdi fotografando i graffiti a lui dedicati presso le Colonne di San Lorenzo, nel centro di Milano. Insomma, come recita il nome del nostro network, la classica (è) viva!

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Feb 252011
 

Per il quarto anno consecutivo, torna la rassegna Giovaninconcerto, nata del 2008 su iniziativa dell’Associazione Culturale Eufonia – La cittadella musicale, ad allietare le domeniche di maggio di tutti gli amanti della musica classica. Scopo dell’evento è promuovere musica cosiddetta “colta” al di fuori degli ambiti consueti e dare a giovani ma qualificati musicisti quello spazio che spesso è difficile ottenere attraverso i circuiti convenzionali.Protagonista del primo dei sei concerti, domenica 6 marzo, è il soprano Laura Orlandi, che già nel 2009 ha riscontrato il favore del pubblico di via Magliano Sabina. Accompagnata al pianoforte da Andrea Feroci, anch’egli già apprezzato al Teatro Sacri Cuori nelle scorse stagioni, eseguirà musiche di Bellini, Puccini, Verdi e Charpentier.

V. Bellini              Oh rendetemi la speme… Qui la voce sua soave (da I Puritani)
V. Bellini              Ah non credea mirarti… Ah non giunge (da La Sonnambula)
V. Bellini              Eccomi… Oh quante volte oh quante (da I Capuleti e i Montecchi)
G. Charpentier      Depuis le jour (da Louise)
G. Verdi                Sul fil d’un soffio etesio (da Falstaff)
G. Puccini             Quando me n’vo’ (da Boheme)
G. Puccini             O mio babbino caro (da Gianni Schicchi)

Domenica 6 marzo  ore 18  Teatro Sacri Cuori di Gesù e Maria (v. Magliano Sabina, 33)

ingresso libero

Nov 162005
 

Ossia: un sasso nello stagno. Le idee di un nuovo editore indipendente per sfuggire al grande freddo che attende la musica

grandenordPer quale ragione oggi un editore discografico dovrebbe realizzare nuove incisioni di musica classica?

Qualche giorno fa, ragionando con un pianista, che mi esponeva le proprie opinioni sull’attuale mercato discografico, ho ascoltato un discorso che oggi va molto di moda: “bisogna incidere cose nuove, cose di nicchia, cose che i grandi del passato non abbiano già registrato, altrimenti chi comprerebbe oggi un disco di un giovane esordiente, che riproponga – che so – le Sonate di Mozart?”

Il mio interlocutore è rimasto molto spiazzato nel sentirmi esprimere un’opinione diametralmente opposta. Provo a condividerla con chi mi legge qui. Ed invito a rispondermi: mi sembra importante stimolare ed aprire un dibattito su questi punti.

Allora, sul mercato esiste praticamente l’opera omnia di tutti i grandi compositori del passato, incisa in molteplici versioni dai più glenngould3grandi interpreti del novecento. E’ ovvio che in circa ottant’anni di attività si sia prodotta una montagna di musica spesso meravigliosa e certamente insostituibile, che ormai fa senza ombra di dubbio parte del patrimonio artistico dell’umanità.

Perché mai, dunque, oggi qualcuno dovrebbe acquistare una incisione di Chopin, eseguita da un giovane pianista, pur bravissimo, quando ha a disposizione i dischi di Cortot, Rubinstein, Horowitz, Pollini (e non me ne si voglia per le esclusioni…. la lista dei magnifici interpreti è davvero molto, molto lunga… cito tanto per fare un esempio): non ce n’è forse già abbastanza in circolazione, di memorabili incisioni  di Chopin?

Credo che il discorso giri intorno, più o meno, al medesimo tema dominante affrontato nel romanzo di Thomas Bernhard “Il soccombente”.  Uno dei protagonisti, un giovane pianista, smette di suonare e si lascia lentamente morire, dopo avere frequentato a Salisburgo una master class pianistica di Horowitz ed essersi trovato a diretto contatto (e confronto) con Glenn Gould, suo compagno di corso. Dopo il suo suicidio, nella sua stanza, viene ritrovato un solo disco, ascoltato fino alla consunzione: le “Variazioni Goldberg” di Bach, incise da Gould.  Il romanzo, probabilmente il più bello forse mai scritto su un pianista,  si dipana come una variazione ossessiva sul tema dell’invidia e dell’impossibile emulazione del talento altrui. Allora – e purtroppo mi sembra sia già abbastanza così – nessuno dovrà più azzardarsi a suonare (per non parlare di incidere!) questa musica meravigliosa? Perché il confronto sarà comunque inevitabile, e senza storia, perdente già in partenza?

glenngould4Il discorso si fa lungo, e profondo. Per la stessa ragione nessuno scultore avrebbe dovuto affrontare un pezzo di marmo dopo Michelangelo (e invece abbiamo avuto Canova, e Rodin…) o prendere in mano i pennelli, per non confrontarsi con la sterminata produzione di tutti i grandi del passato. E in effetti l’evoluzione dell’arte figurativa, letta con la chiave psicanalitica di questa paura del confronto, ci fornirebbe molti pensieri interessanti… più o meno qualche migliaio di pagine da scrivere..

Lo stesso, ovviamente, vale anche per i nuovi autori che compongono musica oggi… ma qui stiamo parlando di una cosa ancora diversa: ossia di interpretare musiche del passato, usando più o meno gli stessi strumenti, e sicuramente le stesse partiture, producendo suoni molto, molto simili a quelli già creati da altri grandi interpreti, ed esponendosi a confronti inevitabili quanto terrorizzanti per qualunque giovane artista. Da qui, credo, l’ansia del nuovo, il pensiero dominante che ormai si debbano affrontare soltanto repertori poco esplorati, oppure autori poco eseguiti e soprattutto poco incisi.

Ma, ahimè, questa tendenza cozza vistosamente con i gusti del pubblico: che, dal vivo, in concerto, gradisce invece moltissimo ascoltare i pezzi più famosi, quelli che ha imparato ad ascoltare in disco, e subisce spesso con rassegnazione altri pezzi che gli vengono proposti, nell’attesa di gustare il famoso valzer o il famoso notturno che gli sono così familiari e che riconosce ed assapora con delizia. E’ solo la mia opinione, per carità, ma chiunque frequenti abitualmente le sale da concerto può constatare come ci sia molto di vero in quanto sto affermando. Quando acquista dischi, il pubblico pensa più o meno alla stessa maniera, per cui: vendite che languono, e crisi crescente del mercato discografico (e non è solo colpa delle copie pirata…).

Ora riprendiamo il filo del discorso e pensiamo al possibile (e molto probabile) scenario futuro determinato da questa linea di pensiero: dunque non si incidono più pezzi famosi. Dunque si dà pochissimo spazio a nuovi interpreti sconosciuti. Un grande successo, oggi, nell’industria discografica della classica, forse tira un migliaio di copie. Forse le vende persino. Risultato economico: risibile per l’editore, per non parlare dell’interprete (o dell’autore). Dunque di dischi oggi non si vive (e difatti se ne producono sempre meno). E di concerti? Vogliamo fare il conto di quante teste d’argento o bianche si vedono nelle sale da concerto e prevedere come pian piano queste teste si estingueranno e le sale saranno sempre più vuote? Dunque oggi non si vive nemmeno di concerti (tranne alcune, per fortuna esistenti, rare eccezioni).

Se vogliamo tracciare una linea di tendenza statistica, con una glenngould bella proiezione di numeri al computer, è purtroppo molto facile prevedere che, continuando così, tra qualche anno, semplicemente, la specie dei musicisti concertisti sarà estinta. Per mancanza di lavoro, di esperienza e di concreta possibilità di vivere di musica. Siamo proprio sicuri che sia questo che vogliamo per la musica? E’ proprio necessario aggiungere anche questa terribile prospettiva alle molteplici altre cause di estinzione che già la minacciano?

La solita Cassandra, direte. Uffa, di questi discorsi non se ne può più. Verissimo. Non ne posso più nemmeno io. Per questo vi propongo le mie idee per una possibile soluzione. Il sistema di equazioni che ho tracciato qui sopra può essere corretto, modificando qualche variabile. O introducendone di nuove.

Vediamo. Siamo proprio sicuri che tra i giovani esordienti non ci sia proprio più nulla di nuovo – e stupefacente – da dire e da esprimere?

Ho ancora nelle orecchie l’eco di un recital di uno dei grandi vecchi, un celeberrimo pianista che impera da anni sul mercato dell’industria discografica e nelle sale da concerto. Un fantastico monumento della tastiera. Ebbene: è un concerto che mi ha deluso, per la semplicissima ragione che durante l’ascolto mi veniva spontaneo un ravvicinato confronto con gli stessi pezzi suonati da un paio di giovanissimi pianisti che stanno attualmente incidendo per “Classica Viva” e che ho quindi avuto modo di ascoltare spesso dal vivo. E, stupefacente a dirsi, il confronto dava inequivocabilmente vincenti i giovani. Tanto da rendere sbiadita – e, orrore – un poco noiosa alle mie orecchie, l’interpretazione del famoso pianista.

glenngould5Dove voglio arrivare con questo? Voglio dire che dobbiamo aprire le braccia, il cuore, le sale da incisione e quelle da concerto ai giovani, ALTRIMENTI LA MUSICA MORIRA’. La vita continua, tutto scorre, si modifica, ma anche si arricchisce di esperienze e di idee, maturate nella scuola, nella cultura e nel dibattito, ma anche forgiate nel crogiuolo delle forze nuove – e intrinsecamente rivoluzionarie – della giovinezza.

La nuova sfida che si trovano di fronte gli editori, oggi, è secondo me quella di avere il coraggio di innovare, andando controtendenza. e’ necessario allargare la visuale, e l’orizzonte culturale. La musica deve raggiungere quelli che finora non ne hanno usufruito, non l’hanno mai ascoltata, insomma non la conoscono.

C’è un intero pianeta che si sta aprendo alla grande cultura europea. E’ questa la grande scommessa che ci attende nel nuovo millennio. Affrancandosi pian piano – finalmente! – dal bisogno e dall’ignoranza, enormi masse possono ora godere dell’enorme patrimonio artistico accumulato dall’umanità nel corso dei secoli. Per la musica – linguaggio universale quanto altri mai – questo è particolarmente vero.

E’ il momento di educare e raffinare il gusto: la grande musica è finalmente alla portata di tutti, sia dal punto di vista economico che da quello tecnologico. Vogliamo rimboccarci le maniche? Mettiamola in rete, questa musica. Che sia bella, e che sia tanta. Che tutti possano scegliere, confrontare, non accontentarsi di una registrazione, ma possano ascoltarne due, tre, quattro, diverse per interprete e per stile. Se il grande repertorio classico non vuole morire, nuovi interpreti debbono impadronirsene, inciderlo e portarlo nelle sale da concerto. Come potete vedere girovagando sul nostro sito, la nostra Casa Editrice sta infatti tentando di dare il proprio contributo proprio in questa direzione: Internet è un’enorme potenzialità, dobbiamo approfittarne per salvare la musica!

E’ come per le olimpiadi: durano da duemila anni, e ogni volta la fiaccola passa in mani più giovani, perché non si spenga mai. Sono sorte nuove specialità, ma le vecchie rimangono. Ogni volta si superano nuovi record, ma nel medagliere rimane il ricordo dei grandi atleti del passato. Che spesso ci piace rivedere in antichi filmati. Perché non deve poter essere lo stesso con la musica?

Ines Angelino

Vieni alla nostra rassegna di lezioni-concerto a Milano alla Palazzina Liberty!